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Schritt 1: Die Übersetzung und Lippensynchronisation vorbereiten

Ein lippensynchrones Dubbing ist der Prozess, bei dem der übersetzte Dialog hinsichtlich Silben, Mundbewegungen und Atempause exakt mit dem Originalbild übereinstimmt.

Diese vorbereitende Arbeit bestimmt maßgeblich den Erfolg der Aufnahmesitzung. Eine wörtliche Übersetzung passt selten zu den Lippenbewegungen einer Figur. Wenn eine englischsprachige Figur „absolutely“ sagt, hat ein flämisches „ongetwijfeld“ eine andere Mundbewegung als „absoluut“. In unserem Studio in Flandern stellen wir fest, dass die Adapters hier die meiste Zeit investieren: Sätze verlängern oder kürzen, ohne dass die Bedeutung verloren geht.

• Textanalyse: Die Bestimmung der Timecodes und Betonungen pro Satz.
• Rhythmische Anpassung: Die Auswahl von Wörtern, die zu den Mundbewegungen im Bild passen.
• Sprecher-Casting: Die Suche nach Stimmen, die hinsichtlich Timbre und Spielstil zum Original passen.

Regie-Tipp: Stellen Sie sicher, dass der Übersetzer im Voraus weiß, ob es sich um strikte Lippensynchronisation oder um Time-Sync (bei dem die Stimme nur innerhalb der Zeitdauer des Shots bleiben muss) handelt. Das spart enorm viel Korrekturzeit während der Aufnahmesitzung selbst.

Schritt 2: Die Stimmen auswählen und buchen

Der Synchronsprecher erweckt die Figur zum Leben, doch die eine Rolle erfordert mehr Erfahrung als die andere. Unsere Auswahl von 140 professionellen Synchronsprechern besteht aus Personen, die genau wissen, wie sie vor einem Bildschirm mit einer Cue-Anzeige agieren müssen.

Der Buchungsprozess für eine solche Produktion erfolgt in festen Schritten:

1. Kontakt aufnehmen und das Ausgangsmaterial bereitstellen.
2. Eine Stimme aus unserem Angebot wählen oder eine Probeaufnahme für spezifische Charaktere anfertigen lassen.
3. Die Aufnahmesitzung definitiv buchen und die Regie führen.

Schritt 3: Die Zusammensetzung der Vergütung verstehen

Der Endpreis folgt einer festen Logik. Bei nicht-kommerziellen Produktionen, wie internen Schulungsvideos oder Bildungsprojekten, orientieren wir uns meistens an der Wortzahl oder der gesamten Projektlaufzeit. Sobald eine Produktion kommerziell genutzt oder über bezahlte Medienkanäle verbreitet wird, funktioniert es anders:

Ein kommerzielles Voice-over besteht immer aus einem festen Basistarif für die Aufnahme im Studio, zuzüglich einer Buy-out-Gebühr für die Nutzung und die Ausstrahlungsrechte. Diese Buy-out-Gebühr hängt vom Medium (wie regionales Fernsehen, nationales Radio oder Online-Werbung) und dem Zeitraum ab, in dem die Produktion zu sehen ist.

Schritt 4: Aufnahme und Regie erfolgreich leiten

Während der Aufnahmesitzung selbst zählt jede Minute. Ein erfahrener Synchronsprecher achtet nicht nur auf die Aussprache, sondern antizipiert auch die Atmung des Schauspielers auf dem Bildschirm. Als Regisseur achte ich genau darauf, dass die Emotion durch den technischen Fokus auf die Lippenbewegung nicht verloren geht. Im Studio kommt es oft vor, dass ein Synchronsprecher technisch perfekt lippensynchron spricht, dabei aber die Spontaneität verloren geht. Dann feilen wir vor Ort noch an einem Wort, um es natürlich klingen zu lassen.

Tipp für diese Phase: Planen Sie immer eine Viertelstunde Pufferzeit pro Szene ein. Eine Figur, die weint, seufzt oder lacht, erfordert nun einmal mehr Aufnahmezeit als ein ruhiges Gespräch an einem Konferenztisch.

Schritt 5: Postproduktion und Endmischung des Tons

Nachdem die Stimmen aufgenommen wurden, folgt die Nachbearbeitung. Der Ton muss bereinigt werden: störende Atemgeräusche werden gedämpft, Mundgeräusche entfernt und die Klangfarbe wird auf die Akustik der Szene abgestimmt. Steht eine Figur draußen in einem Wald, darf die Stimme nicht klingen, als käme sie aus einer schallisolierten Kabine. Die Stimme wird danach mit der Originalmusik und den Soundeffekten (dem sogenannten M&E-Track) gemischt.

Tipp für die Endmischung: Liefern Sie immer die separaten Spuren von Musik und Effekten an. Ohne separate Audiodateien kann die Stimme niemals glaubwürdig in das Gesamtbild eingebettet werden.